Indique o artigo de Rothko

Indique Rothko é uma das estatísticas importantes na tecnologia dos artistas. Sua função ainda chama atenção para um grande número de pessoas em todo o mundo. Nascido em Dvinsk, na URSS (exatamente no que é hoje a Letônia), Marcus Rothkovich era o quarto filho de Jacob Rothkovich, um excelente farmacêutico esposa esposa Anna Rothkovich. Como a Rússia era obviamente um ambiente hostil para os judeus sionistas, Jacob imigrou para os EUA com seus dois filhos mais velhos em 1910, finalmente mandando mensagens para o resto de sua família em 1913.

Eles se estabeleceram em Portland, Oregon. Mark conseguiu se formar no colégio Lincoln, mostrando mais interesse pela música do que pela arte visível. Tendo recebido uma bolsa de estudos da faculdade ou universidade de Yale, mas logo encontrou o planeta em Yale conservador e excludente; ele saiu sem se formar em 1923. Seu primeiro rosto com arte foi quando ele visitou um amigo que estava no curso de arte. Ele encontrou uma foto da sua versão nua e chamou sua atenção. Ele se mudou para a cidade de Nova York, onde se matriculou nas aulas de desenho e vida máxima de Weber até agora, na liga de estudantes de arte, que por sua vez constituíam seu único treinamento artístico.

Ele explicou que suas mudanças de estilo eram motivadas por o crescente esclarecimento de seu conteúdo.

A progressão na função do pintor, à medida que viaja no tempo, ponto a ponto, será direcionada à clareza. Ele continua dizendo que "um pintor não pinta para jovens estudantes ou historiadores, mas para pessoas, e o resultado das condições humanas é a única coisa que é realmente aceitável para o músico. (Breslin186) As obras de Rothko viram muitas obras repentinas e repentinas. ajustes estilísticos precisos no assunto, desde momentos radicais, paisagísticos e de rua até fantasia e fé, e multiformes, que incluem cores quentes e cores escuras.Os primeiros trabalhos de Rothko incluíram paisagens nas áreas ao redor das colinas de Portland; Rothko produziu uma série de água Dirigindo-se à paisagem normal de Portland, obra sem título (chapa colorida 4), na qual Rothko adota uma justificativa vantajosa nas colinas ao sul do parque de Washington e na própria cidade, para observar o Willamette em direção ao lado rural ainda rural do rio .

Esse indivíduo usou cores quentes que davam ao espectador uma sensação de paz. Também no trabalho de arte do auto-retrato (prato colorido 7), Rothko pode se destacar do fundo escovado acastanhado e amarelado, Rothko parece inabalável, voltando a audição um quarto para a correta e para a luz. Sua estrutura facial transmite definição e poder da personalidade. O próprio rosto comunica um estresse entre a grande vulnerabilidade da força de Rothko (Breslin107). Por outro lado, as primeiras pinturas são do metrô e da cena das ruas. Dentro da foto do metrô, ele produziu várias fotos de um metrô de Ny, no qual janelas e paredes atuam como estrutura. Ele mostra o metrô. As paredes e os trilhos serão representados porque os monitores planos e os trilhos recuam acentuadamente. As estatísticas podem ser identificadas por informações sobre trajes como passageiros, clientes ou crianças pequenas, ambos bastante atenuados, sem rosto e sem graça.

Os momentos exteriores de Rothko das cenas modernas das avenidas revelam o estilo de vida da cidade que não possui energia nem abertura da natureza. Na cena da rua (chapa colorida 1), uma faixa muito ampla, definindo a vantagem de construir uma comunidade resistente ao pano de fundo preto de suas figuras, divide o trabalho em espaços públicos e privados. A pintura revela a arquitetura clássica dos edifícios que a associa à arte (Breslin107). Além disso, Rothko mudou seu estilo para Mito e religião. Esse indivíduo concluiu uma série de obras de arte que tentam usar temas mitológicos, se possível, na mitologia da língua grega antiga. Sua vez no mito arcaico produzido a partir da realidade pessoal contemporânea. Newman mais tarde lembrou. Era absolutamente impossível naqueles tempos pintar de novo o tipo de obra de arte que estávamos fazendo - buquês, nus reclináveis ​​e pessoas tocando violoncelo (Breslin163). Em janeiro de 1942, Rothko exibiu a pintura que mostrou uma nova reviravolta em seu trabalho. Antígona foi a primeira foto de Rothko exibida em público.

A tinta consiste em vários caracteres entrelaçados, sentados sobre uma caixa quadrada, quadrada e em forma de banco. Mentes quase-clássicas compõem 1 amalgamadas sentando-se sobre uma linha de sistemas em sua inscrição horizontal pessoal. A taxa central do Antigone apresenta uma linha de torções desmembradas. Entre a cabeça e os corpos e dois pares de antebraços pregados pelas mãos em direção às madeiras, que geralmente consideram fortemente a crucificação (Papas). "Antígona se conectou com os sentimentos de Rothko sobre a guerra.A resposta de Rothko à Segunda Guerra Mundial, geralmente desempenha um papel importante em relatos que discutem sua pesquisa para um material de assunto universalizado e imagens para acompanhá-lo (Pappas). Rothko afirmou. "A existência imediata de terror e o reconhecimento do medo e a ausência de brutalidade no mundo natural mais a eterna insegurança da existência. Uma pintura adicional foi" O capacete do presságio da novidade. Rothko afirmou. o quadro trata não da anedota específica, mas do espírito do mito, universal a todos os mitos comuns em todos os tempos (Breslin 166). no presságio da águia, Rothko equiparou a mente mitológica à unidade panteísta que fundia homem, galinha e animal.

Em vez de usar testemunhos amplamente conhecidos como as tragédias de Ésquilo, confronta seus visitantes de forma combativa com algo real e reprimido. Portanto, ao criticar a guerra desde a incongruência primordial, o próprio Presságio da Águia Careca tenta uma energia elétrica comunicativa sem razão direcionada ao inconsciente (Breslin 168). Em 1946, Rothko produziu novas pinturas que normalmente direcionavam sua arte para encontrar seu estilo de assinatura. Esses tipos de novas obras de arte são conhecidos como "Multi-formas pelas quais ele tentou uma série de repudios fortes e severos, buscando eliminar através de seu trabalho mito, marca, paisagem, físico, desenho de qualquer tipo para poder pintar em remendos de cores nebulosas e luminosas (Breslin232), com tons quentes e intensos, formas e matizes variadas.Um de seus retratos, como Sem título (1948: placa colorida 13), é constituído pela multiplicidade de cores brilhantes, vivas, coloridas, com bordas suaves e translúcidas. , formas bidimensionais predominantemente horizontais.

Alguns são redondos; outros, ovais ou retângulos: mas mesmo essas formas geométricas, abauladas e diferentes irregularmente, já foram organizadas, e muitas das formas da pintura serão únicas e amorfas (Breslin 235). Em vez de inclinar o exterior para mostrar sua visão, Rothko permite que sua visão interior apareça na tela, materializando-a não em formas simbólicas, mas em áreas caras de cor, como se a própria tinta fresca pudesse falar, poderia fornecer uma terminologia de psique profunda. "A eliminação de todos os obstáculos que envolvem o pintor, a idéia e o observador. Como exemplo desses obstáculos, Rothko deu à memória espaço, história ou geometria que são pântanos de generalização a partir dos quais é possível extrair paródias de idéias. Breslin escreve: "a cor alcançou uma nova luminosidade. Rothko disse:" Penso nas minhas fotos pessoais porque o drama: as formas dentro das fotos serão os artistas. Em sua pintura intitulada Número 16 (o verde e o vermelho na tangerina), 1956.

Ele sugeriu que a tangerina poderia ser lida como "o lado normal e mais feliz da vida, mais o verde verde escuro como a" atmosfera negra ou problemas que sempre nos pairam sobre nós (weiss257). A esse respeito, Rothko mencionou que a grande escala dessas telas pretendia conter ou envolver o espectador ... Não era "grandioso", mas íntimo e humano esse indivíduo queria que sua primeira experiência de espectador aparecesse na foto. Essas artes são íntimas e fortes; é o contrário exatamente do que é decorativo. Ele oferece a chave para o casamento ideal entre o público e a parte restante da imagem. Em uma palestra sobre a empresa Pratt, ele disse ao público que "pequenas imagens desde esse renascimento individual são como romances; imagens enormes são como dramas através dos quais se participa de maneira direta. Em uma ocasião, nessa época, Rothko sugeriu uma navegação distância de apenas 20 polegadas (Weiss 262) .No entanto, mesmo com esse tipo de esclarecimento, o público em geral continua a criticar seu trabalho.

As duas revistas de arte do 49 Parsons Display, de Rothko, focavam na fórmula, como se a unidade formal tivesse sido a questão central. "o infeliz elemento de toda a demonstração é que esses tipos de pinturas não contêm sugestões de forma ou design", julgou Margaret Breuing em Art Breakdown, enquanto em Art Information Tomas Hess, após 1º notar a "força da composição que promove Rothko's continuou a criticar "sua insistência em fazer o grande gesto, em construir em escala de cores". A extrema ambição que costumava cobrir superfícies tão tremendas, a recusa em usar todas as soluções do meio a gasolina fornece resultados que resultam em inconformidade do design que não pode ser decorativo (Breslin 247). Weiss escreve que Rothko via cor porque era capaz de expressar uma abundância comparável de sentimentos na obra de arte. A cor não era de forma alguma apenas cor, mas um humor de potência, uma grande força expressiva esperando para ser empregada em novas situações (Weiss 269). A maioria dos críticos acredita que ele é mais um colorista do que um artista que deixa o público sem nada. O trabalho de Rothko começou a escurecer dramaticamente durante o final da década de 1950. pinturas mais escuras mencionam uma mudança profunda no pensamento do artista.

Aqui esse indivíduo virou paleta de cores avermelhada, marrom, marrom e de cor escura. Os trabalhos mais sombrios de Rothko repetem várias versões em um marrom que começou a ser identificado com uma ambição dramática ou talvez trágica. Para alguns, essa cor do vinho acredita em interações cerimoniais e ritualísticas em nossas tradições (Weiss 269). Rothko queria ser compreendido; ele desejava ser identificado, ser visto, no sentimento mais profundo. No projeto da igreja, a escuridão das pinturas significa um divisor de águas poderoso no pensamento de Rothko. Breslin escreve. Dominique de Menil, em seu penúltimo deleite na abertura da capela de Rothko, em 1977, referiu-se à arte interior, já que "íntimos e atemporais eles nos abraçarão sem nós" (Weiss 284). Suas superfícies escuras particulares não param o olhar ... mas poderíamos olhar através desses marrons arroxeados, olhos infinitos (Weiss 274).

Concluindo, Mark Rothko, uma figura dominante que também se moveu por muitos estilos artísticos, incluindo seus primeiros trabalhos, que consistiam em paisagem, retrato, mostras de rua, metrô e mito e religião, até alcançar seu motivo de assinatura muito suave, variedades retangulares flutuando em um campo manchado de cor. Fortemente inspirado pela mitologia e ponto de vista para criar uma imagem tão conhecida que esse indivíduo não precisará assinar a pintura.

Sua identidade sendo dispersa sobre as telas que podem ser preenchidas não apenas com aspectos pessoais, mas também com imperativos de marketing: um assunto reconhecível, uma "marca de nome, um benefício conhecido, podem ser comercializados mais rapidamente. Ele queria ter um design de assinatura. , movimento único marcando a individualidade no pintor, mas frase característica marcando que cada um como familiar familiar.Este indivíduo continua a trabalhar com múltiplas formas até o final de sua existência.Ele morreu em 1970 quando justin tinha 66 anos. Sua fama aumentou dramaticamente por dentro os anos seguintes à sua fatalidade.

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